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“直接摄影”与其最后一位大师

来源:vwin德赢网       责编:许华飞       2016-04-01

2016年4月15日至4月27日,由vwin德赢,中国摄影著作权协会主办,包商银行协办的保罗•卡普尼格罗(Paul Caponigro)作品展将于在中国美术馆举行。这也给了我们一个重温“直接摄影”流派和卡普尼格罗这位“传统直接摄影最后一位大师”提供了一个绝佳的机会。这是中外影艺文化交流走向深度与学术的的一件盛事。

对于一般的中国读者而言,无论是卡普尼格罗这位“传统直接摄影的最后一位大师”,还是“直接摄影”这个概念,都还显得比较陌生。但“直接摄影”在世界史上却占据的重要位置却不容忽视。有学术观点认为,世界摄影史中相继出现过画意、纯影、写实、抽象四大流派,而纯影派则是最早脱离画意摄影,主张摄影要发挥自己的特性的流派。

摄影术发端于19世纪30年代末,但初始的技术还十分稚嫩。19世纪80年代,“即时成像”在技术上成为了可能,带动了摄影美学流派的产生。当时的摄影美学具有浓重绘画艺术烙印,为了让摄影进入“艺术领域”,主动追求类似于绘画的视觉效果,不惜在后期制作中用手指、树枝、铅笔、刷子和雕刻工具改变它们的原貌,并使用树胶重铬酸盐印相、炭粉印相等特殊印相法输出。很长一段时间,摄影展览的评委也由画家来担任。在绘画这位“大人物”身后,摄影更像是一个“亦步亦趋”的小跟班。

直到20世纪初期,史蒂格利茨主导的“摄影分离派”开始尝试摆脱画意摄影,不再模仿铜板、素描及水墨画,而是将摄影发展成一门独立和完整的艺术,独有独特的内在审美。在技法上,按摄影师所希望的构图拍摄,底片要“绝对完美”,不需要或只需要稍加处理,不能损害摄影技术固有的特征。这些诉求直接体现在哈特曼的《要求直接摄影》(A Plea for Straight Photography)一文中。“直接摄影(straight photography)”这一说法也由此产生。

所谓straight photography,80年代谢汉俊将其翻译成“如实摄影”,随后林少忠将之翻译成“直接摄影”,但后来林少忠又倾向认同谢汉俊的译法。其技术层面的含意,是手段上和“间接”或者“虚构”相对,不再使用画意摄影加工底片追求画风的手段,而是“直截了当”的把被拍摄物“如实”拍出来。我们也可以推测更深一层的含意,则是希望摄影不再依附于美术的审美体系,发挥摄影独特的“真实性”的审美价值,将被拍摄物本身的魅力表现出来。
1932年,安塞尔.亚当斯、伊莫金.坎宁安、爱德华.韦斯顿等人成立F64小组,并将“纯粹摄影”作为自己的信条,认为摄影是现实的体现。而纽霍尔将纯粹摄影的含意进一步明确,作品注重风格和主题,但不受社会和文化的制约,只受自身内部发展要求的支配——如果读者认为这句话过于艰深,不妨考察韦斯顿的创作方式。他每次外出创作时,事先并没有什么预定的主题,只是一路上任意漫游。如果有什么东西使他的内心受到了刺激,他就停下脚步拍摄照片。

正是在F64小组活跃的年代,保罗·卡普尼格罗出生在波士顿,据说他13岁拍摄了第一张照片,一年后在他家的地下室里设置了第一个安暗房。少年时代,在随全家去缅因州度假期间,卡普尼格罗加深了他对大自然的认识。而年轻时学习音乐的经历,则帮助他的创作始终保持着韵律。这个意大利后裔是个幸运儿,刚刚入伍正要派驻朝鲜的时候,朝鲜战争宣告停战。和战场擦肩而过,我猜想这在某种程度上,恰好保护住了他对于美好事物纯粹干净的感受。

更加幸运的是,这个年轻人一开始接触摄影就站在了很高的起点上。卡普尼格罗自己回忆,他在军队摄影工作室仅仅工作了几个月的时候,被前辈同时带去参加一个摄影party,为他开门的就是安塞尔.亚当斯,那天他还认识了伊莫金.坎宁安、多萝西娅.兰格和米诺.怀特。多年之后,他还满怀感激(也不失骄傲)的承认“我甚至都不用通过去大学或中学里学摄影。我直接就找到大师们去学习了。”

服满兵役后,卡普尼格罗开始以学徒的身份和米诺.怀特一起工作,同时在纽约州著名的伊斯曼博物馆工作。也是在那里,他熟悉了当时在柯达摄影博物馆里担任总监的博蒙特.纽霍尔,并一直视后者为最伟大的摄影史学家。

在米诺·怀特的支持下,卡普尼格罗在伊斯曼博物馆举办了题为“置身其中”个人作品展,随后又开始出版极具个人色彩的作品。1960年代之后,卡普尼格罗先后在缅因州、波士顿、巴斯和耶鲁等地的大学获得了多次教学机会。1973年起,他在新墨西哥州居住和生活。在摄影生涯中,他在世界各地举办作品展览,还曾经获得古根海姆基金会和国家艺术基金的奖金。如今,他的作品也已成为美国最著名的摄影收藏品之一。

虽然和F64小组渊源很深,卡普尼格罗仍然努力创造出自己的风格。和其他摄影师相比,他更倾向于去寻找所见的事物“背后”的东西。他不会借助于“热点题材”吸引读者,而是鼓励读者让艺术自然流动起来,在无需注解的情况下,呈现出艺术自身所具有的含义。在拍摄开始之前,卡普尼格罗会去寻找自己对拍摄对象的“感觉”,并坚信“感觉”可以将“灵性”从事物里提取出来。在一次和中国摄影人进行的对话中,他曾说:“我看到树、我看到河流,我觉得在它们的‘背后’,或者说在它们‘内部’,是有‘灵性’的,它们存在于眼睛所看不见的部分。所以我开始尝试去拍下它——琢磨如何去呈现这些事物的灵性。”

用摄影这样具体化的手段去呈现“灵性”不是一件简单的事情,为此卡普尼格罗曾经做过多方面的尝试。最终,他选择黑白照片作为自己的表现形式。因为彩色照片会使人和现实事物的距离太近。使用黑白摄影则可以更抽象,甚至在某种程度上改变事物,从而给摄影师表达和读者想象都提供更大的空间。

除此以外,卡普尼格罗凭借一种细致入微的“工匠精神”,形成了自己独特的暗房制作风格(即使抛开拍摄这件事情,他也可以凭借“暗房大师”的身份进入摄影史)。他在暗房制作的作品深沉、安静而柔和,具有特别的质感,仿佛暗示着其中的特质超越拍摄对象自身的属性。读者可以感觉到他的作品中似乎有某种“更深远”的东西,但是他们无法用语言描述,从而又激发出读者更大的兴趣去了解。

在1993年因为膝盖病痛中止摄影之前,卡普尼格罗主要关注的题材是风光,但也经常涉及景物。1999年,这位年近古稀的老人再次拿起相机。由于已经无法远足,他选择了把大自然中的元素带回家里,在房间的一角搭建了设备,在那里拍摄静物照片。身处斗室,他仍然尽其所能减少主观的“干预”致力于挖掘世界的“灵性”,在方寸之物身上寻找强大和神秘的力量。他的摄影作品前所未有的保持着耐心、平静和敏锐的观察力,陪伴读者用眼睛来倾听。

当卡普尼格罗逐渐进入创作的暮年,我们可以摘录法国《世界摄影大辞典》评价他的作品:“他的作品实现了直接摄影和神秘诗歌的结合,通过他能研究和分享自然界的美和力量。如同一位组合音乐家,他按照个人风格诠释了自然的乐谱,并尽可能贴近事物本身。”

此次,vwin德赢,中国摄影著作权协会举办的展览,还有一个特别之处,展出的作品都是卡普尼格罗签名的原作。就摄影作品收藏而言,纯影派摄影作品是最具原作欣赏价值,且非原作而不能的摄影作品,一直是国际影像收藏市场最炙手可热艺术类型之一。有机会看到如此多收藏级的佳作聚于一堂,不能不说是幸运和奇妙的缘分。

无须讳言,随着摄影艺术与社会思潮的发展,现在的读者越来越把注意力从外在的物象转移到内在的感受与思想。在此背景下,传统“直接摄影”正在不可避免的和现代艺术相结合,走向变革的时代。作为传统直接摄影“最后的大师”,卡普尼格罗一路走来的印迹,在此刻显得尤为珍贵。当代摄影人亦可由此,向这座“逝去的好日子”为我们留下的纪念碑脱帽致敬。这真是我们的时代,又一段“有温度”的回忆。
 
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以下不对外,仅作说明:
1.“直接摄影”和“纯影派”是两个相互重叠程度很高的概念,目前所见的各种文字都没有明确、详细的区分。有些比较严谨的作者会始终使用一个表述,反而清楚。因为现在直接摄影有明确的文献依据,所以本文一直使用“直接摄影”的提法。

2.经与朱炯确认:直接摄影=纯影派,直接摄影是刚开始的命名,1916年一直发展到三十年代F64小组等,中国翻译他们是纯影派。

3.Straight Photography林少忠先生直译为“直接摄影”,谢汉俊先生意译为“如实摄影”。林先生晚年亦认为意译更有道理。但因为“如实摄影”和我们现今的“纪实摄影”有些形似,而含意完全不同,故多数人仍使用“直接摄影”一词。本文从众

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